Portretele lui Rembrandt van Rijn. Scurtă biografie a lui Rembrandt și a operei sale

REMBRANDT, HARMENS VAN RHYNE(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669) - cel mai mare artist, pictor, desenator, gravor care a trăit în secolul al XVII-lea. in Olanda.

La 15 iulie 1606, la Leiden, morarul bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au avut al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara era situată nu departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.

Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, doreau ca acesta să devină om de știință sau funcționar. A studiat la școala latină, iar apoi din 1620 la Universitatea din Leiden, pe care a părăsit-o fără să absolve. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii și l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583–1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis atelierul de pictură.

În secolul al XVII-lea În Olanda, după victoria asupra Spaniei, catolicismul a fost interzis, protestantismul nu permite decorarea pitorească în biserici. Prin urmare, biserica, care era anterior cel mai mare client al picturii, pierde acest rol, iar burghezia mare și mijlocie, cetățenii înstăriți, ies în prim-plan. Tablourile destinate decorarii caselor burghere trebuie acum să îndeplinească noi obiective. Mărimile se schimbă, apar subiecte noi, apare o împărțire în genuri de pictură, interesul pentru genul cotidian, peisaj, natura moartă, portretul se intensifică și se dezvoltă un tip de portret de grup. Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânind tehnicile picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe începutul umanist al artei italiene. Stilul baroc, care a apărut în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar sofisticarea, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutările lui Rembrandt. A fost un fan al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul mișcării realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.

Deja în portretele lui Rembrandt din perioada Leiden este vizibil interesul artistului pentru lumea interioară a omului. Acordând o atenție primordială dezvăluirii stării mentale a celor înfățișați, el omite detalii minore ( Portretul unui bătrân războinic, BINE. 1630, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). A creat primele tablouri narative ( Expulzarea comercianților din templu, 1626, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin; Schimbat, 1627, Berlin - Dahlem), pânze în centrul cărora se află oameni de știință ( Convorbiri ale magilor, 1628, Melbourne, National Gallery; Om de știință la masă, 1628, Londra, National Gallery; Portretul unui om de știință, 1631, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). Studiind cu atenție arta gravurii, el creează multe desene, gravuri și gravuri.

La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam, tabloul Bala Lecția de anatomie de la Dr. Tulpa(1632, Haga, Mauritshuis), aparținând tradiției portretelor de grup. Artistul transmite asemănarea portretului tuturor personajelor, dar spre deosebire de tradițiile unui portret de grup, unde fiecare dintre portrete ocupă o poziție egală, aici toate personajele sunt subordonate emoțional tulpa. Tabloul a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre tinerii portretiști la modă din Amsterdam.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu fiica fostului burgmaster din Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat. După căsătorie își cumpără o casă mare. Mobilând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrări ale lui Michelangelo, Tizian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.

În anii 30, Rembrandt a fost un artist prosper, de succes, bogat, ceea ce se reflectă în lucrările sale. În multe tablouri el o portretizează pe iubita sa soție Saskia ( Portretul unei Saskia zâmbitoare, 1633, Dresda, Galeria de Artă; Floră, 1634, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat; nunta lui Samson, 1638, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Deosebit de notabil este celebrul Autoportret cu Saskia genunchi(1635, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Se arată a fi un domn vesel cu un pahar de vin, care o îmbrățișează pe Saskia pe jumătate întoarsă, stând în poală cu spatele la privitor. Poza este plină de vitalitate, energie și pătrunsă de dragoste pentru soția sa. Picturi celebre pe teme biblice datează din aceeași perioadă ( Sărbătoarea lui Belşaţar,1634, Londra, National Gallery; Sacrificiu Avraam, 1635, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), peisaje ( Peisaj cu iaz și pod arcuit, 1638, Berlin - Dahlem; Peisaj cu furtună, 1639, Brunswick, Muzeul de Stat al Ducelui Anton Ulrich), portrete ceremoniale, gravuri. Acesta este momentul în care Rembrandt și-a perfecționat tehnicile de pictură și desen, dând creațiilor sale cea mai mare expresivitate și profunzime. Studiind metodele tradiționale de scriere și abordările dezvăluirii temelor, el se îndepărtează din ce în ce mai mult de aceste tradiții în munca sa. În loc de pensulele netede, glazurate, care sunt aplicate în straturi subțiri de vopsele transparente și translucide deasupra unui strat dens de vopsele și creează o singură suprafață picturală a pânzei, el pictează tablouri cu lovituri ascuțite, impastate, abandonând treptat detaliile detaliate.

La începutul anilor '40, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930, a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este Danae(1636–1646, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). După ce a plasat eroina mitologică într-un alcov luxos al unei case olandeze bogate burgheze, el descrie cu măiestrie baldachinul de catifea, pernele elegant brodate, admiră razele de lumină aurie, valurile moi care inundă frumosul trup gol al lui Danae.

A început să lucreze la pictură într-o perioadă de fericire a familiei, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: cei trei copii ai lui Rembrandt au murit, la câteva luni după nașterea ultimului său fiu, Titus, a murit iubita lui soție Saskia (1642), iar el și-a pierdut curând mama și surorile. Unul dintre ultimele portrete ale soției sale a fost Ultimul portretul lui Saskia(1643, Berlin – Dahlem).

La începutul anilor '40, Rembrandt a primit un ordin de la căpitanul detașamentului de pușcași, Frans Banning-Kok, pentru un portret mare de grup al detașamentului pentru sala principală a noii clădiri a breslei de pușcași din Amsterdam. Se creează faimos Veghea de noapte(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Unitatea de 18 piese este un singur grup coeziv, înconjurat de orășeni. Săgețile de marș ies din arcul clădirii în piața iluminată, sub un steag fluturând. Portretul de grup capătă caracterul unei picturi istorice unice în care Rembrandt întruchipează ideea sa despre idealurile civice. Părerile contemporanilor despre pictură au fost împărțite: unii au văzut imediat capodopera, alții, inclusiv clienții, au constatat că pictura nu îndeplinește tradițiile unui portret de grup. Prin urmare, l-au atârnat într-un alt loc, mai mic, care nu i-a fost destinat, tăind pânza pe toate părțile, ceea ce a perturbat compoziția picturii. În ciuda acestui fapt, ea este un exemplu de neegalat de portret de grup, în care fiecărui personaj i se dă o caracteristică psihologică acută.

Anii 50 și 60 au fost marcați de crearea unor capodopere remarcabile, precum și de adâncirea conflictului artistului cu autoritățile. Autoritățile au fost nemulțumite de faptul că Hendrikje Stoffels, un fost servitor în casa lui Rembrandt, i-a devenit soția de drept comun. Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că... Conform testamentului lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, ar fi lipsit de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Biserica a persecutat-o ​​pe Hendrikje pentru relația ei, care nu a fost sfințită prin căsătorie.

Rembrandt îl înfățișează în mod repetat pe Hendrickje, ea devine modelul lui ( Portretul lui Hendrikje în haine bogate, 1654, Paris, Luvru; Portretul lui Hendrikje Stoffels, 1657–1658, Berlin - Dahlem; imaginea Mariei din tablou Sfânta Familie, 1645, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat, inspirat tot din trăsăturile ei).

Rembrandt este aproape complet lipsit de comenzi. În această perioadă a pictat picturi pe teme biblice și mitologice: Iosif, acuzat de soţia lui Pentephry(1655, Washington, Galeria Națională), Hristos în Emaus(1648, Paris, Luvru). În centrul operei lui Rembrandt se află omul, lumea lui interioară, experiențele și bucuriile. Acordând o mare atenție portretelor, el se concentrează pe dezvăluirea lumii spirituale a modelelor sale: Portret Doamne în vârstă(1654, Moscova, Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin), Portretul unui bătrân în roșu(1654, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), Titus citind(c. 1657, Viena, Kunsthistorisches Museum), Portret Jana Sixa(1654, Amsterdam, Colecția șase). Autoportretele ulterioare ale artistului, care sunt izbitoare prin caracteristicile lor psihologice multiple, aparțin și ele acestui tip de portrete: Auto portret(c. 1652, Viena, Kunsthistorisches Museum), Auto portret(1660, Paris, Luvru). Rembrandt a primit comisii de pictură atât de rare la acea vreme: Aristotel meditând bustul lui Homer(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).

După ce a cumpărat o casă de lux în anii de prosperitate financiară, Rembrandt a plătit doar jumătate din sumă. Datoriile rămase, mai ales după moartea lui Saskia, l-au dus treptat pe artist la faliment. Creditorii depun procese formale și solicită o hotărâre judecătorească pentru a-i întemnița. Campania de persecuție a artistului include și rudele lui Saskia, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși la acea vreme Rembrandt a făcut o avere prin munca sa care o depășește pe cea a soției sale, el a adunat o colecție magnifică de valori artistice. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrickje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost făcut un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului a fost de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17 mii de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile pe care artistul le-ar crea trebuie să fie vândute pentru a plăti datorii, de asemenea, instanța l-a lipsit pe Rembrandt de dreptul de a avea proprietate, cu excepția obiectelor purtate și a rechizitelor pentru pictură, ceea ce a însemnat o existență mizerabilă. Familia lui Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. După ruinarea tatălui său, Titus, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. .

În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să picteze. Acestea sunt în principal autoportrete, portrete ale rudelor ( Portretul lui Titus, 1660, Baltimore, Jacobs Collection), se întoarce din nou la imaginea lui David biblic ( David înaintea lui Saul, 1657, Haga, Mauritshuis).

În 1660, Titus și Hendrickje au deschis un magazin de antichități, unde Rembrandt a fost angajat ca expert. Și deși, potrivit unei hotărâri judecătorești, picturile proaspăt pictate de Rembrandt urmau să fie trecute la dispoziția creditorilor, contractul de angajare i-a oferit artistului posibilitatea de a-și transfera lucrările la un magazin de antichități. Acest lucru a permis familiei să-și mărească veniturile și să-și cumpere o casă. Încă o dată artistul apelează la autoportrete și picturi pe o temă biblică ( Artaxerxe, Haman și Estera, 1660, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin). Printre alți artiști, primește ordin de decorare a Primăriei din Amsterdam ( Conspirația lui Julius Civillis sau Jurământul Botavilor, 1661, Stockholm, Muzeul Național). Pictura (aproximativ 30 de metri pătrați) este returnată artistului „pentru corectare”. Dar Rembrandt a refuzat să facă modificări, iar ordinul a fost dat altui artist. Pe o parte a acestei pânze, Rembrandt a finalizat o altă comandă - celebrul portret de grup Sindicilor(1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Sindicii, maiștrii și corporațiile atelierului de îmbrăcăminte stau la masă în costume negre formale. Claritatea și echilibrul compoziției, parcimonia și precizia selecției detaliilor, crearea unei imagini complete a unui grup de oameni, unghiul neobișnuit care subliniază natura monumentală a imaginii, solemnitatea a ceea ce se întâmplă - toate acestea clasifică tabloul drept o mare capodoperă a picturii.

În 1663, Hendrikje moare, iar în testamentul ei îi lasă lui Titus un magazin de antichități și o mică moștenire lui Rembrandt. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. După o pauză creativă de doi ani, a pictat o serie de tablouri celebre: David și Urie(1665, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), mireasă evreiască(1665, Amsterdam, Rijksmuseum), Portret de familie(1668–1669, Breungschweig, Muzeul de Stat Duce Anton Ulrich). Dar adevărata apoteoză a întregii opere a lui Rembrandt a fost pictura Întoarcerea celui risipitor fiul(1668–1669, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). Artistul a abordat în mod repetat acest subiect (schițele și schițele pot fi găsite deja în anii 30). Pe o pânză uriașă (260 × 205 cm), figura îngenunchiată a unui fiu, care se întoarce pe acoperișul tatălui său, este arătată din spate. Figura lui întruchipează pocăința unui bărbat care a parcurs calea tragică de a învăța despre viață. Chipul înțelept și spiritual al unui părinte bătrân, sfințit de mare bunătate, un fiu care acceptă și iertează, este o capodopera a lui Rembrandt, un maestru care știe să pătrundă în sufletul personajelor sale și să-și arate toate experiențele pe pânză. Aceasta este o imagine despre suferință și mare dragoste.

În februarie 1668, Titus s-a căsătorit cu Magdalena van Loo, dar a murit la scurt timp după. Acest lucru i-a dat o lovitură zdrobitoare lui Rembrandt, iar la 8 octombrie 1669 a murit în brațele fiicei sale Cornelia.

Moștenirea creativă a lui Rembrandt este enormă: aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și 1.400 de desene. A afectat munca elevilor săi, dintre care cei mai cunoscuți sunt Gerrit Dou, Govart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius, Nicholas Mas. A influențat și dezvoltarea artei mondiale în ansamblu, deși a fost apreciată mulți ani mai târziu. O paletă tematică largă, umanismul, căutarea mijloacelor artistice expresive și cea mai mare pricepere au permis artistului să dea viață ideilor avansate ale vremii. Emoționalitatea lucrărilor sale este mare, creată de culoarea picturilor, care este construită pe o combinație de tonuri calde apropiate și cele mai fine nuanțe de culoare. Rembrandt a lăsat o uriașă moștenire artistică, creând picturi pe teme biblice, istorice, mitologice și cotidiene, portrete și peisaje și a fost un mare maestru al gravurii și gravurii. El a acordat o atenție centrală în munca sa omului, lumii sale interioare, experiențelor sale și revelației bogăției sale spirituale. Figura creativă a lui Rembrandt stă în picioare de secole alături de cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale.

Nina Bayor

Rembrant Harmens van Rijn (1606-1669), pictor olandez.

După ce a intrat la Universitatea din Leiden în 1620, Rembrandt a părăsit-o curând și a început să studieze pictura. În 1625-1631 a lucrat în orașul natal. Principalele în opera sa din perioada timpurie au fost picturile pe subiecte religioase, precum și.

Anul 1632 s-a dovedit a fi un an fericit pentru Rembrandt. S-a mutat la Amsterdam și s-a căsătorit cu un oraș bogat, Saskia van Uylenburg, iar pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” i-a adus tânărului pictor recunoașterea universală.

Cel mai prosper deceniu al vieții sale a început pentru maestru. A avut mulți elevi (școala lui Rembrandt). În această perioadă, el a scris capodopere precum „Autoportret cu Saskia” (1635) și „Danae” (1636).

Arta extrem de veselă a lui Rembrandt din anii 1930. combină experiența maeștrilor renascentist și baroc și o abordare inovatoare a subiectelor clasice.

Perioada de succes s-a încheiat brusc în 1642: magnifica lucrare „Night Watch” - un portret de grup al membrilor Breslei Shooting din Amsterdam - a fost respinsă de clienții care nu au apreciat inovațiile artistului și l-au supus unor critici dure.

Rembrandt practic a încetat să primească ordine aproape toți studenții săi; Saskia a murit în același an.

Din anii 40 Rembrandt a abandonat efectele teatrale în opera sa principiul mistic, contemplativ, intensificat în pictura sa. Artistul a apelat adesea la imaginea celei de-a doua soții, Hendrikje Stoffels.

Tabloul „Sfânta Familie” (1645), o serie de autoportrete, și cele mai bune peisaje sunt marcate de profunzime, calm și bogăție emoțională. Dar eșecurile au continuat să-l bântuie pe Rembrandt: în 1656 a fost declarat debitor în insolvență, proprietatea sa a fost vândută la licitație, iar familia s-a mutat într-o casă modestă din cartierul evreiesc din Amsterdam.

Tabloul „Conspirația lui Julius Civilis” (1661), comandat de primărie, a împărtășit soarta „Pazului de noapte”. În 1663, artistul și-a înmormântat soția și fiul.

În ciuda vederii sale deteriorate, Rembrandt a continuat să picteze. Un rezultat unic al lucrării sale a fost pânza „Întoarcerea fiului risipitor” (1668-1669).

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Cel mai mare reprezentant al Epocii de Aur, artist, gravor, mare maestru al clarobscurului - și toate acestea sunt într-un singur nume: Rembrandt.

Rembrandt s-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden. Acest mare artist olandez a reușit să întrupeze în lucrările sale întregul spectru al experiențelor umane cu o asemenea bogăție emoțională pe care arta plastică nu o mai cunoscuse până acum.

Viaţă

A crescut într-o familie numeroasă a unui proprietar bogat de moară, Harmen Gerritszoon van Rijn. Printre altele, proprietatea lui Rhein includea încă două case, iar el a primit și o zestre semnificativă de la soția sa Cornelia Neltje. Mama viitoarei artiste a fost fiica unui brutar și a știut să gătească Chiar și după Revoluția olandeză, familia mamei ei a rămas fidelă credinței catolice.

La Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar nu i-au plăcut științele exacte și a arătat cel mai mare interes pentru pictură. Dându-și seama de acest fapt, părinții săi la vârsta de 13 ani l-au trimis pe Rembrandt să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenburch, care era catolic. Lucrările lui Rembrandt, variate ca gen și temă, sunt impregnate de idei de moralitate, frumusețe spirituală și demnitate a omului obișnuit, o înțelegere a complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale și profunzimea experiențelor sale emoționale. . Foarte puține informații au ajuns la noi despre Jacob, motiv pentru care istoricii și criticii de artă nu pot spune cu siguranță despre influența lui Swanenberg asupra stilului creativ al lui Rembrandt.

Apoi, în 1623, a studiat la Amsterdam cu pictorul la modă de atunci Pieter Lastman, după care, întorcându-se la Leiden, și-a deschis propriul atelier în 1625 împreună cu compatriotul Jan Lievens.

Pitera Lastman s-a format în Italia și s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice. Când Rembrandt a deschis un atelier și a început să recruteze studenți, a devenit semnificativ celebru în scurt timp. Dacă te uiți la primele lucrări ale artistului, poți înțelege imediat că stilul lui Lastman – o pasiune pentru diversitate și meschinăria de execuție – a avut o influență imensă asupra tânărului artist. De exemplu, lucrarea sa „Lapidarea Sf. Stephen” (1629), „Scena din istoria antică” (1626) și „Botezul eunucului” (1626), foarte strălucitoare, neobișnuit de colorate, Rembrandt se străduiește să descrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale. Aproape toți eroii apar în fața privitorului îmbrăcați în ținute orientale fanteziste, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de fast, fast și festivitate.

În 1628, artistul în vârstă de douăzeci și doi de ani a fost recunoscut ca un maestru „foarte faimos”, un renumit pictor portretist.

Tabloul „Iuda returnează bucățile de argint” (1629) a evocat o recenzie entuziastă a celebrului cunoscător de artă Constantin Huygens, secretar al statholderului Frederick Hendrik de Orange: „... acest trup tremurând de jalnic trepidare este ceea ce prefer bunului gust. din toate timpurile."

Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt a dobândit în curând admiratori bogați de artă: datorită medierii lui Hagens, Prințul de Orange a comandat artistului mai multe lucrări religioase, precum „Hristos înaintea lui Pilat” (1636).

Succesul real pentru un artist vine la Amsterdam. La 8 iunie 1633, Rembrandt a cunoscut-o pe fiica unui burghez bogat, Saskia van Uylenburch, și a câștigat o poziție puternică în societate. Artistul și-a pictat majoritatea picturilor în timp ce se afla în capitala Țărilor de Jos.

Amsterdam - un port plin de viață și oraș industrial, în care mărfurile și curiozitățile s-au adunat din întreaga lume, unde oamenii s-au îmbogățit prin tranzacții comerciale și bancare, unde proscrișii Europei feudale s-au adunat în căutarea refugiului și unde bunăstarea bogaților. burghezii au coexistat cu sărăcia deprimantă, are legături puternice cu artistul.

Perioada Amsterdamului lui Rembrandt a început cu succesul uluitor adus lui de Lecția de anatomie a doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis), care a schimbat tradiția portretelor de grup olandeze. Rembrandt a contrastat demonstrația obișnuită a oamenilor de profesie generală care pozează pentru artist cu dramaturgia unei scene liber hotărâte, ai cărei participanți - membri ai breslei chirurgilor, ascultându-și colegul, sunt uniți prin includerea activă din punct de vedere intelectual și spiritual în procesul de cercetare științifică.

Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a înfățișat o femeie cu un creion argintiu purtând o pălărie cu boruri largi. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

Anii treizeci din viața lui Rembrandt au fost o perioadă de faimă, bogăție și fericire în familie. A primit multe comenzi, a fost înconjurat de studenți, a fost pasionat de colecția de lucrări ale pictorilor italieni, flamand și olandezi, sculpturi antice, minerale, plante marine, arme antice și obiecte de artă orientală; Când lucrați la picturi, exponatele din colecție au servit adesea drept recuzită pentru artist.

Lucrările lui Rembrandt din această perioadă sunt extrem de variate; ele mărturisesc o căutare neobosit, uneori dureroasă, a unei înțelegeri artistice a esenței spirituale și sociale a omului și a naturii și demonstrează tendințe care necruțător, pas cu pas, îl aduc pe artist în conflict cu societatea.

În portrete „pentru sine” și autoportrete, artistul experimentează liber cu efecte de compoziție și clarobscur, schimbă tonalitatea schemei de culori, își îmbracă modelele în haine fantastice sau exotice, variază ipostaze, gesturi, accesorii („Flora”, 1634). , Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat ).

În 1635, a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Sacrificiul lui Avraam”, care a fost foarte apreciat în societatea seculară.

În 1642, van Rijn a primit o comandă de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. Era pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășura pe pânză avea loc în timpul zilei.

Rembrandt a descris cu meticulozitate fiecare detaliu al muschetarilor în mișcare: ca și cum la un moment dat timpul s-a oprit când miliția a ieșit din curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut faptul că pictorul olandez s-a abătut de la canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați pe față, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Schimbări tragice în soarta personală a lui Rembrandt (moartea copiilor nou-născuți, a mamei sale, în 1642 - boala și moartea lui Saskia, care i-a lăsat un fiu de nouă luni, Titus), deteriorarea situației sale financiare din cauza reticenței sale încăpățânate. a sacrifica libertatea de spirit și creativitatea pentru a mulțumi gusturile schimbătoare ale burghezilor, a agravat și demascat conflictul care se coace treptat între artist și societate.

Informații despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. Mai rămâne puțin în documente. Dintre studenții acestei perioade, doar Nicholas Mas din Dordrecht este cunoscut. Aparent, artistul a continuat să trăiască în stil grandios, ca înainte. Familia regretatului Saskia și-a exprimat îngrijorarea cu privire la modul în care a dispărut de zestrea ei. Bona lui Titus, Geertje Dirks, l-a dat în judecată pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători; Pentru a rezolva acest incident, artistul a trebuit să scoată bani.

La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a împrietenit cu tânăra sa servitoare Hendrickje Stoffels, a cărei imagine apare în multe lucrări de portrete din această perioadă: („Flora” (1654), „Femeia care face baie” (1654), „Hendrickje la fereastră” (1655)). Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” când fiica ei Cornelia s-a născut artistului în 1654. În acești ani, Rembrandt s-a îndepărtat de temele care aveau o rezonanță națională sau universală grandioasă.

Artistul petrece mult timp lucrând la portretele gravate ale burgmasterului Jan Six (1647) și ale altor burghezi influenți. Toate tehnicile și tehnicile de gravură cunoscute de el au fost folosite la producerea gravurii elaborate „Hristos vindecând bolnavii”, mai bine cunoscută sub numele de „Frunza de o sută de florin”, care a fost vândută cândva la un preț atât de mare pentru al 17-lea. secol. A lucrat la această gravură, izbitoare prin subtilitatea ei de lumină și umbră, timp de șapte ani, din 1643 până în 1649.

În 1653, întâmpinând dificultăți financiare, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus, după care a declarat faliment în 1656. După vânzare în 1657-58. casă și proprietate (s-a păstrat un catalog interesant al colecției de artă a lui Rembrandt), artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc, unde și-a petrecut restul vieții.

Moartea lui Titus în 1668 a fost una dintre ultimele lovituri ale destinului pentru artist; el însuși a murit un an mai târziu.

Rembrandt Harmens van Rijn a murit în octombrie 1669. Avea 63 de ani. Era bătrân, bolnav și sărac. Notarul nu a trebuit să petreacă mult timp întocmind un inventar al proprietății artistului. Inventarul a fost scurt: „trei hanorace uzate, opt batiste, zece berete, rechizite pentru pictură, o Biblie”.

Picturi

Întoarcerea Fiului Risipitor

Celebrul tablou „Întoarcerea fiului risipitor”, una dintre ultimele lucrări ale lui Rembrandt. A fost scrisă în anul morții sale și a devenit punctul culminant al talentului său.

Aceasta este cea mai mare pictură a lui Rembrandt pe o temă religioasă. Pictură de Rembrandt bazată pe pilda Noului Testament a Fiului risipitor.

Pilda fiului risipitor o găsim în Evanghelia după Luca. Povestește despre un tânăr care a părăsit casa tatălui său și și-a risipit moștenirea. Și-a petrecut zilele în lenevire, desfrânare și beție până s-a trezit într-o curte, unde a mâncat din același jgheab cu porcii. Aflându-se într-o situație disperată și sărăcie deplină, tânărul se întoarce la tatăl său, gata să devină ultimul său sclav. Dar, în loc de dispreț, el găsește o primire regală, în loc de mânie - dragoste paternă atot-iertător, profundă și duioasă.

1669 Rembrandt joacă o dramă umană în fața privitorului. Vopselele se află pe pânză în mișcări groase. Sunt întunecate. Artistului nu îi pasă de personajele minore, chiar dacă sunt destul de multe. Atenția este din nou concentrată pe tată și fiu. Bătrânul tată, cocoșat de durere, se înfruntă cu privitorul. Pe această față există durere și ochi obosiți de lacrimi plânsate și fericirea unei întâlniri mult așteptate. Fiul este cu spatele la noi. S-a îngropat ca un copil în haina regală a tatălui său. Nu știm ce exprimă chipul lui. Dar tocurile crăpate, craniul gol al vagabondului, hainele sărace spun destul. Ca mâinile tatălui care strâng umerii tânărului. Prin liniștea acestor mâini, iertătoare și susținătoare, Rembrandt, pentru ultima oară, spune lumii o pildă universală despre bogăție, patimi și vicii, pocăință și iertare. „... Mă voi ridica și mă voi duce la tatăl meu și îi voi spune: Părinte! Am păcătuit împotriva cerului și înaintea ta și nu mai sunt vrednic să fiu numit fiul tău; acceptă-mă ca pe unul dintre angajații tăi. S-a ridicat și s-a dus la tatăl său. Și pe când era încă departe, tatăl său l-a văzut și i s-a făcut milă; și, alergând, a căzut pe gâtul lui și l-a sărutat”.

Pe lângă tată și fiu, imaginea înfățișează încă 4 personaje. Acestea sunt siluete întunecate care sunt greu de distins pe un fundal întunecat, dar cine sunt ele rămâne un mister. Unii i-au numit „frații și surorile” protagonistului. Este caracteristic faptul că Rembrandt evită conflictul: pilda vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, iar armonia imaginii nu este perturbată în niciun fel.

Van Gogh spunea foarte exact despre Rembrandt: „Trebuie să mori de mai multe ori pentru a picta așa... Rembrandt pătrunde atât de adânc în mister, încât vorbește despre obiecte pentru care nu există cuvinte în nicio limbă. De aceea Rembrandt este numit: un vrăjitor. Și acesta nu este un simplu meșteșug.”

Veghea de noapte

Numele cu care portretul de grup al lui Rembrandt „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”, pictat în 1642, este cunoscut în mod tradițional.

Pânza maestrului olandez este plină de multe „surprize”. Să începem cu faptul că titlul imaginii cu care suntem obișnuiți nu corespunde realității: patrula înfățișată pe ea este de fapt nu toată noaptea, ci foarte mult în timpul zilei. Doar că lucrarea lui Rembrandt a fost lăcuită de mai multe ori, motiv pentru care s-a întunecat foarte mult. În plus, timp de aproape 100 de ani (de la începutul secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea), pânza a decorat unul dintre holurile Primăriei din Amsterdam, unde a atârnat chiar vizavi de șemineu, devenind acoperită cu funingine de la an la rând. an. Nu este surprinzător faptul că, la începutul secolului al XIX-lea, numele „Night Watch” a fost ferm stabilit în spatele picturii: în acest moment istoria creării sale a fost complet uitată și toată lumea era sigură că maestrul a descris momentul întunecat al zilei. . Abia în 1947, în timpul restaurării la Rijksmuseum din Amsterdam, unde pictura rămâne până în zilele noastre, a devenit clar că colorarea sa era incomparabil mai deschisă decât se credea în general. Mai mult, umbrele scurte aruncate de personaje indică faptul că are loc între prânz și ora două după-amiaza. Cu toate acestea, restauratorii nu au îndepărtat toate straturile de lac închis de teamă să nu deterioreze vopseaua, motiv pentru care „Night Watch” este încă destul de amurg.

Adevăratul titlu al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Wilhem van Ruytenburg”. Acesta este un portret de grup al mușchetarilor-milițieni ai unuia dintre cartierele din Amsterdam. Din 1618 până în 1648, Războiul de 30 de ani a fost purtat în Europa, iar locuitorii orașelor olandeze au luat armele pentru a-și apăra casele. Creația lui Rembrandt, împreună cu portretele altor companii de pușcași, a fost să decoreze sala principală din Kloveniersdolen - sediul pușcarilor orașului. Clienții au fost însă dezamăgiți: Rembrandt nu a realizat un portret ceremonial monumental, ci o pictură de gen în care au avut dificultăți în a-și găsi propriile fețe, adesea pe jumătate ascunse de alte personaje. Încă ar fi! La urma urmei, artistul, pe lângă cei 18 clienți (fiecare dintre care a plătit aproximativ 100 de guldeni de aur pentru portretul său - o sumă foarte impresionantă pentru acele vremuri), a mai strâns pe pânză încă 16 oameni! Cine sunt ei nu se știe.

Muzeu – Muzeul de Istorie din Amsterdam?

Trei cruci

Una dintre cele mai faimoase gravuri ale lui Rembrandt, are cinci stări. Doar al treilea este semnat și datat, prin urmare, Rembrandt a considerat restul ca fiind intermediar. A cincea condiție este foarte rară, fiind cunoscute doar cinci exemplare.

Gravura descrie momentul dramatic al morții lui Hristos pe crucea Calvarului, descris în Evanghelii. În această gravură, Rembrandt a folosit tehnicile daltă și vârful uscat la o scară fără precedent, ceea ce a crescut contrastul imaginii.

Pe 2 decembrie 2008, la Christie's, această gravură (condiție IV) a fost vândută pentru 421.250 de lire sterline.

Coborâre de pe Cruce

În 1814, Alexandru I a achiziționat Galeria Malmaison, care îi aparținea, de la împărăteasa Josephine. Unele dintre picturi provin de la celebra galerie Kassel, inclusiv Coborarea de pe cruce. Anterior, aceste picturi erau proprietatea doamnei de Roover din Delft și, împreună cu alte picturi din colecția ei, au fost achiziționate de landgravul de Hesse-Kassel Ludwig VII. În 1806, galeria sa a fost confiscată de Napoleon și prezentată lui Josephine.

Succesorul landgravului de Hesse-Kassel, Ludwig al VII-lea, fost aliat al lui Alexandru I, a prezentat împăratului în 1815 o cerere de returnare a picturilor capturate de Napoleon. Această cerere a fost respinsă decisiv de Alexandru I, care a plătit bani pentru picturi și a arătat atenția lui Josephine fiicei sale Hortensia în toate modurile posibile. În 1829, Hortense, care la acea vreme purta titlul de ducesă de Saint-Leu, a cumpărat treizeci de tablouri de la Galeria Malmaison.
Tema „Coborârea de pe Cruce” a avut o mare tradiție iconografică în arta europeană. Cea mai mare realizare a ei a fost considerată pictura de altar a lui Rubens din Catedrala din Anvers, cunoscută pe scară largă din gravura Vorstermann.

Gândul creator al lui Rembrandt rătăcește undeva aproape de această tradiție, folosind-o și, în același timp, alegând constant alte căi. Neobișnuite pentru dezvoltarea anterioară a artei europene, ele sunt foarte caracteristice stilului creativ personal al lui Rembrandt, nu degeaba „Coborârea de pe cruce” seamănă atât de mult cu „Necredința apostolului Toma”.
Rubens a descris durerea sublimă a unui grup de oameni maiestuoși și frumoși despre un erou maiestuos și frumos; Scena agitată a nopții de masă a lui Rembrandt. Numeroase figuri fie se retrag în întuneric, fie cad într-o rază de lumină și se pare că mulțimea se mișcă, trăiește, se întristează pentru bărbatul răstignit și se milă de mama lui. Nu există nimic ideal în înfățișarea oamenilor; mulți dintre ei sunt nepoliticoși și urâți. Sentimentele lor sunt foarte puternice, dar acestea sunt sentimentele oamenilor obișnuiți, neluminați de acel catharsis sublim care este în pictura lui Rubens.

Hristos mort este un om ca ei; Tocmai din cauza intensității durerii lor, suferința și moartea lui capătă o semnificație deosebită. Cheia conținutului imaginii este, poate, nu atât Hristos, cât omul care îl sprijină și îi strânge obrazul de el.
Din punct de vedere artistic, compoziția fragmentară, agitată este inferioară atât celebrului tablou al lui Rubens, cât și unor lucrări ale lui Rembrandt însuși, executate în aceiași ani. De exemplu, „Necredința apostolului Toma”, care este mai puțin semnificativă în conținut, pare în exterior mai armonioasă în ansamblu. Cu toate acestea, în „Coborârea de pe cruce”, înțelegerea inerentă a lui Rembrandt a temelor biblice și ale Evangheliei reiese mai clar.

Opera tânărului Rembrandt diferă de prototipul său prin cele mai de bază caracteristici. În primul rând, nu a fost creat nici formal, nici în mod esențial ca imagine de altar de rugăciune. Dimensiunea cabinetului său nu se adresează percepției mulțimii, ci experienței individuale. Acest apel la sentimentele și conștiința unei persoane, stabilirea unui contact emoțional strâns cu privitorul, l-au forțat pe artist să creeze un sistem complet nou de mijloace și tehnici artistice. Rembrandt a văzut scena legendei Evangheliei ca pe un eveniment real tragic, privând-o fundamental de patos mistic și eroic.

Luptând pentru cea mai mare sinceritate și veridicitate a imaginii, Rembrandt a arătat o mulțime apropiată de oameni lângă cruce, șocați de durere, căutând unirea familiei unul cu celălalt în fața morții cumplite. Colorarea tonală maro-măsliniu a unit întreaga compoziție, iar fluxul de lumină i-a evidențiat dramatic centrul semantic principal. Cea mai mare profunzime a suferinței este întruchipată în chipul Maicii Domnului, care a căzut inconștient, cu chipul ei subțire și slăbit de muncitor. Al doilea grup de îndoliați este situat la capătul stâng al diagonalei spațiale - femeile așează cu reverență giulgiul, îndeplinindu-și datoria directă față de decedat. Trupul lăsat al lui Hristos susținut de bătrân - întruchiparea cărnii umane chinuite - trezește, în primul rând, un sentiment de profundă compasiune.

mireasă evreiască

Unul dintre ultimele și cele mai misterioase picturi ale lui Rembrandt. Numele i-a fost dat în 1825 de colecționarul din Amsterdam Van der Hop. El a crezut în mod eronat că înfățișa un tată dând un colier fiicei sale evreiești pentru nunta ei. Poate că acesta este un portret comandat, dar hainele personajelor sunt în mod clar asemănătoare cu cele vechi, biblice, așa că „Artaxerxe și Estera”, „Iacob și Rahela”, „Avram și Sara”, „Boaz și Rut” au fost propuse ca titlul.

Saskia ca Flora

Un tablou de Rembrandt, pictat în 1634, care o înfățișează probabil pe soția artistului, Saskia van Uylenbuch, ca vechea zeiță italiană a florilor, florilor, primăverii și fructelor de câmp, Flora.

În 1633, Saskia van Uylenburch a devenit mireasa lui Rembrandt van Rijn. Portretul fermecător al tinerei Saskia în ținuta Florei este un martor tăcut, dar elocvent, al acestui „timp al primăverii și al iubirii” a genialului pictor.

Chipul gânditor, dar fără îndoială fericit al fetei, este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Ea nu mai este un copil jucăuș, care privește fără griji lumea lui Dumnezeu. Se confruntă cu o sarcină serioasă: a ales o nouă cale și are multe de răzgândit și de experiență înainte de a intra la maturitate. Coșca și toiagul împletite cu flori indică cu siguranță Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței a fost pictată cu o măiestrie uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se dezvăluie în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului.

Iubita lui soție a adus o lumină de fericire și mulțumire sinceră în casa singuratică a modestului artist. Rembrandt îi plăcea să o îmbrace pe Saskia în catifea, mătase și brocart, conform obiceiului din acea vreme, o împovărea cu diamante și perle, urmărind cu drag modul în care fața ei minunată și tânără beneficia de ținuta strălucitoare.

Muzeul – Schitul de Stat

Stil

Profund umanistă în esența sa și perfectă în forma sa artistică unică, opera lui Rembrandt a devenit unul dintre vârfurile dezvoltării civilizației umane. Lucrările lui Rembrandt, variate ca gen și temă, sunt impregnate de idei de moralitate, frumusețe spirituală și demnitate a omului obișnuit, o înțelegere a complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale și profunzimea experiențelor sale emoționale. . Ascunzând multe mistere nerezolvate, picturile, desenele și gravurile acestui artist remarcabil captivează prin caracteristicile psihologice perspicace ale personajelor, prin acceptarea filozofică a realității și prin justificarea convingătoare a deciziilor artistice neașteptate. Interpretarea sa a poveștilor din Biblie, mituri antice, legende antice și trecutul țării sale natale ca evenimente cu adevărat semnificative în istoria omului și a societății, a simțit profund conflictele de viață ale anumitor oameni au deschis calea pentru o interpretare liberă și multi-valorică. de imagini și teme tradiționale.

Dragoste de Rembrandt

Celebra muză a lui Rembrandt, Saskia, a fost fiica cea mai mică a primăriei orașului Leeuwarden. Această frumusețe cu pielea albă și cu părul roșu a crescut într-o familie mare și foarte bogată. Când fata avea 12 ani, mama familiei a murit. Dar fata tot nu știa ce să refuze, iar când a venit momentul, a devenit o mireasă foarte de invidiat.

O întâlnire semnificativă între artistă și domnișoară a avut loc în casa vărului fetei, artistul Hendrik van Uylenburg, care era și negustor de antichități. Rembrandt este literalmente încântat de fată: piele moale strălucitoare, păr auriu... Adăugați la aceasta capacitatea de a conduce o conversație obișnuită. În glumă, l-a invitat pe celebrul pictor să-și picteze portretul. Și asta este tot ce este necesar: Saskia este un model ideal pentru subiecții lui Rembrandt în culori închise și dezactivate.

Rembrandt începe să picteze un portret. O întâlnește pe Saskia nu numai în timpul ședințelor. Înfrângându-și principiile, încearcă să participe la plimbări și petreceri de plăcere. Când s-au terminat lucrările la portret și s-au oprit întâlnirile dese, Rembrandt și-a dat seama: acesta este cel cu care vrea să se căsătorească. În 1633, Saskia van Uylenburgh a devenit mireasa artistului, iar pe 22 iulie 1634 a avut loc nunta mult așteptată.

Căsătoria cu Saskia deschide artistului calea către înalta societate. Părintele burgmaster a lăsat favoritului său o moștenire colosală: 40.000 de florini. Chiar și cu o mică parte din această sumă s-ar putea trăi confortabil mulți, mulți ani.

Cuplul fericit și iubitor a început să-și aranjeze o casă comună. Curând a început să semene cu un muzeu. Pereții au fost decorați cu gravuri ale lui Michelangelo și picturi ale lui Rafael. Saskia a fost de acord cu totul, și-a iubit foarte mult soțul. Iar el, la rândul său, a dus-o cu bijuterii și a plătit pentru cele mai rafinate toalete. Și, bineînțeles, am încercat să surprind imaginea mea preferată. Rembrandt, s-ar putea spune, a devenit un cronicar al vieții sale de familie. În primele zile ale lunii de miere a cuplului a fost pictat celebrul „Autoportret cu Saskia în poală”.

În 1635, s-a născut primul fiu al familiei, dar nu a trăit foarte mult, iar aceasta a devenit o lovitură teribilă pentru tânăra mamă.

Multă vreme nu a vrut să se despartă de trupul fiului ei, i-a alungat pe toți de la ea, fără a da drumul copilului mort. Nefericita mamă s-a plimbat cu el prin casă, legănându-l și strigându-i toate numele tandre pe care ea și soțul ei le-au numit Rembrantus în primele zile fericite.

Rembrandt și-a dat seama că, cu excepția orelor petrecute la șevalet, nu putea locui decât lângă Saskia. Numai cu ea se simte uman: iubirea este sursa vieții și o iubește doar pe Saskia și pe nimeni altcineva.

După moartea lui Rembrantus, Saskia a mai pierdut copii la naștere de două ori. Doar al patrulea copil, Titus, născut în 1641, a reușit să supraviețuiască anilor grei ai copilăriei. Băiatul a fost numit cu acest nume în memoria regretatei Titia, sora Saskiei.

Cu toate acestea, travaliul constant a avut un efect dăunător asupra sănătății lui Saskia. Apariția imaginilor pur peisagistice ale artistului la sfârșitul anilor 1630 se explică uneori prin faptul că la acea vreme, din cauza bolii soției sale, Rembrandt petrecea mult timp în afara orașului cu ea. Artistul a pictat relativ puține portrete în anii 1640.

Saskia van Uylenburgh a murit în 1642. Avea doar treizeci de ani. În sicriu părea vie...

În acest moment, Rembrandt lucra la faimosul tablou „The Night Watch”.

Muzeul Casa Rembrandt

Muzeul de Artă de pe Jodenbreestraat din Cartierul Evreiesc din Amsterdam. Muzeul a fost deschis în 1911 în casa pe care Rembrandt a cumpărat-o la apogeul faimei sale în 1639 și a locuit până la falimentul său în 1656.

Timp de aproape 20 de ani din viața sa (din 1639 până în 1658) pe strada Jodenbrestraat, Rembrandt a reușit să creeze multe lucrări frumoase, să devină celebru, să adune o colecție unică de picturi și rarități din întreaga lume, să dobândească studenți, să risipească averea prima soție, își pierde principalii clienți, face datorii uriașe și pune casa sub ciocan.

De asemenea, Rembrandt a trebuit să vândă cea mai mare parte a colecției sale luxoase de picturi și antichități, inclusiv lucrări ale unor mari artiști europeni, busturi romane ale împăraților și chiar armuri de luptă japoneze, și să se mute într-o casă mai modestă. După ce a supraviețuit ambelor soții și chiar a propriului fiu, Rembrandt a murit în sărăcie și singurătate.

Două secole și jumătate mai târziu, în 1911, din ordinul reginei Wilhelmina, casa a fost transformată într-un muzeu, care, spre deosebire, de exemplu, de Muzeul Van Gogh, este, în primul rând, nu o galerie de artă, ci cea restaurată. apartamentele marelui artist: o bucătărie imensă la parter, camera de recepție, dormitorul maestrului și dormitorul pentru oaspeți sunt pe a doua, cea mai mare cameră a conacului - garsoniera - este pe a treia, iar la mansardă sunt atelierele elevilor săi.

A fost posibilă restaurarea interiorului cu ajutorul unui inventar al proprietății întocmit de un notar atunci când toată proprietatea artistului a fost vândută la licitație și cu desene ale artistului însuși, în care acesta își înfățișa casa.

Aici puteți vedea obiectele sale personale, mobilier din secolul al XVII-lea și alte exponate interesante, precum o frumoasă presă de gravură sau rarități de peste mări.

Muzeul expune aproape toate gravurile marelui Rembrandt - 250 din 280, autoportrete magnifice ale artistului, desene care îi înfățișează pe părinții, soția și fiul său Titus, priveliști minunate ale Amsterdamului și împrejurimilor sale.

Chiar și toaleta muzeului necesită o atenție deosebită: acolo puteți vedea desene ale lui Rembrandt pe o temă corespunzătoare: o femeie ghemuită în tufișuri și un bărbat în picioare într-o ipostază caracteristică acestui stabiliment.

Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul artist olandez actualizat: 13 noiembrie 2017 de: site-ul web

Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage.
Ilustrație de pe site-ul http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), pictor, desenator și gravor olandez, unul dintre cei mai mari maeștri ai artei vest-europene. Născut la Leiden la 15 iulie 1606 în familia unui morar bogat. În 1620 a intrat la Universitatea din Leiden, dar nu a stat mult acolo și în curând a devenit studentul artistului local Jacob Isaacs Swanenburch. În jurul anului 1623 s-a mutat la Amsterdam, unde a intrat în atelierul lui Jan Peynas și a studiat cu maestrul picturii istorice Pieter Lastman. Acesta din urmă l-a introdus pe Rembrandt în operele maeștrilor artei italiene. Din 1625 până în 1631, Rembrandt și-a păstrat propriul atelier în Leiden, lucrând uneori cu pictorul și gravorul Jan Lievens. Dintre elevii lui Rembrandt, Gerard Dou este cel mai faimos.

În 1631 sau la sfârșitul lui 1632, Rembrandt s-a întors la Amsterdam. La 22 iunie 1635 s-a căsătorit cu Saskia van Uylenburch, fiica bogatului burgmaster din Leuwarden. În 1642, succesul în creativitate și viața personală a făcut loc unei serii de nenorociri. La sfârșitul anilor 1630, i s-au născut patru copii unul după altul, dar toți au murit în copilărie, iar apoi, la 14 iunie 1642, iubita lui soție a murit brusc. Artistul a rămas alături de fiul său, Titus, în vârstă de un an. The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), finalizat la scurt timp după moartea lui Saskia, marchează începutul noilor sale explorări creative.

La sfârșitul anilor 1640, Hendrikje Stoffels a devenit soția neoficială a lui Rembrandt (conform testamentului lui Saskia, acesta nu se putea căsători a doua oară). În 1654 s-a născut fiica lor Cornelia. Cu toate acestea, acum artistul era bântuit de dificultăți financiare. În iulie 1656 a fost forțat să declare faliment, iar în următorii doi ani colecția sa remarcabilă a fost vândută. Dorind să-l ajute pe Rembrandt, la sfârșitul anului 1658 Titus și Hendrikje au început să se angajeze în comerțul cu pictură.

Ultimii ani ai vieții artistului au fost umbriți de moartea celor dragi. Hendrickje a murit la 24 iulie 1663. Titus s-a căsătorit în februarie 1668 și a murit șase luni mai târziu. Acum Rembrandt a rămas singur cu tânăra Cornelia. Rembrandt a murit la 4 octombrie 1669.

Rembrandt a creat aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și peste 1.400 de desene. Mai jos este o prezentare cronologică a lucrării sale.

Perioada timpurie a operei lui Rembrandt ar trebui luată în considerare în contextul influenței artei italiene asupra picturii olandeze. Dintre maeștrii italieni, olandezii au fost atrași în special de Caravaggio, în ale cărui lucrări naturalismul îndrăzneț și modelarea contrastantă a luminii și umbrelor păreau a fi o provocare pentru arta clasică. Artiști precum Gerard Terbruggen și profesorul lui Rembrandt Pieter Lastman au lucrat în stilul lui Caravaggio, introducând treptat caravagismul în arsenalul mijloacelor artistice ale picturii olandeze. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden (1625–1631) aparțin și ele acestei mișcări. Picturile The Money Changer (1627, Berlin) și The Scientist in His Study (1629, Londra, National Gallery) au arătat interesul maestrului pentru transmiterea efectelor de lumină. Prima dintre ele înfățișează un bătrân cu ochelari la serviciu, într-un colț presărat cu cărți de contabilitate. Fața lui încrețită este luminată de lumina slabă a unei singure lumânări, pe care o acoperă cu mâna. În al doilea tablou, Rembrandt a căutat să transmită atmosfera unui interior aerisit. Subiectul principal al imaginii este încăperea în sine, cu un tavan înalt, plin de lumină moale, fluturând.

De-a lungul carierei sale creatoare, artistul a apelat la subiecte în care drama vieții profunde se îmbină cu elemente de psihologism subtil. Tabloul Cina la Emaus (c. 1630, Paris, Muzeul Jacquemart-André) prezintă trăsăturile picturii lui Rembrandt din această perioadă. Rembrandt a prezentat acest episod ca o punere în scenă teatrală. Silueta lui Hristos iese în evidență pe fundalul luminii orbitoare, cea mai mare parte a pânzei fiind scufundată în umbră.

Mutarea la Amsterdam și marile succese artistice care au urmat au deschis o nouă perioadă în opera lui Rembrandt; acesta este un deceniu în care au fost create lucrări, impregnate de dramatism și, în același timp, nelipsite de senzualitate materială, parțial legate în spirit de operele flamandului Peter Paul Rubens. Prima comandă majoră primită de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul Anatomia doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis). Este o imagine a unui celebru medic din Amsterdam și a colegilor săi din breasla chirurgilor din oraș.

Printre picturile pe subiecte istorice realizate de Rembrandt în anii 1630, Orbirea lui Samson (1636, Frankfurt pe Main, Institutul de Artă Städel) pare deosebit de dramatică. Flashuri de lumină, diagonale dinamice și culori vibrante sunt folosite pentru a spori tensiunea intrigii; imaginea este plină de mișcări clare și rapide.

Hedonismul și virtuozitatea tehnică care caracterizează pictura lui Rembrandt din acești ani sunt poate cel mai viu întruchipate în Autoportret cu Saskia (c. 1635, Dresda, Galeria de imagini). Aici artistul s-a înfățișat într-un costum romantic de domn; Își ridică paharul de bere cu o mână și o îmbrățișează pe Saskia, care stă în poală, cu cealaltă. Luminozitatea culorilor și libertatea trăsăturilor corespund pe deplin stării de spirit a scenei.

Autoportret cu Saskia în poală. 1635

La începutul anilor 1640, viața și activitatea artistică a lui Rembrandt au dobândit stabilitate și regularitate. Self-Portrait 1640 (Londra, National Gallery), influențat de lucrările lui Rafael și Tizian, arată un bărbat încrezător, sensibil, îmbrăcat după moda italiană din secolul al XVI-lea, sprijinit pe o balustradă; umerii îi sunt ușor întoarse, privirea îndreptată spre privitor.

Una dintre cele mai cunoscute picturi ale acestei perioade este The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Numele real al lucrării este Compania căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg. A fost scrisă cu ocazia vizitei reginei franceze Marie de' Medici la Amsterdam și a ieșirii ceremoniale a trupelor de miliție a orașului organizate cu această ocazie. Fundalul întunecat predominant din imagine face posibilă evidențierea mai bine a figurilor personajelor. De aceea în secolul al XVIII-lea. tabloul a fost intitulat greșit Night Watch. La fel ca Anatomia doctorului Tulpe, această pictură depășește portretul tradițional de grup. Înfățișează 29 de personaje, dintre care 16 sunt figuri istorice reale; mișcările și locația lor în imagine sunt subordonate unei singure acțiuni generale care se dezvoltă în fața ochilor privitorului. Stâlpii, bannerele și muschetele ies în direcții diferite, făcând compoziția mai liberă și mai dinamică; senzația este sporită de jocul de lumini și umbre.

Veghea de noapte. 1642

În anii 1640, pictura religioasă a lui Rembrandt a devenit mai puțin retorică, în ea au apărut smerenia și forța interioară profundă caracteristice lucrării de mai târziu a maestrului. Încă din Renaștere, evenimentele Sfintei Scripturi au fost de obicei interpretate într-o manieră eroică, iar personajele lor au fost înzestrate cu frumusețe fizică. Viziunea lui Rembrandt diferă brusc de acest concept; Hristos în faptele sale pare smerit și blând, umilit și nevăzut între oameni.

Frunza de o sută de guldeni, o gravură care își ia numele de la prețul cu care a fost vândută la una dintre primele licitații, tratează tema smereniei creștine. Figura lui Hristos nu iese în evidență din mulțime nici prin haine, nici prin poziție specială, dar atenția privitorului este atrasă spre centrul compoziției - chipul Mântuitorului cu cele mai subtile raze de lumină divină care emană din el. În stânga Lui sunt cei zdrobiți de slăbiciunea duhului și a cărnii, bogați și săraci, uniți de suferință. În dreapta sunt fariseii, necredincioși și cufundați în dispute nesfârșite. Copiii mici cad la picioarele lui Hristos. În gravura Frunza de o sută de guldeni, în absența acțiunii vizibile, Rembrandt a reușit perfect să transmită miracolul prezenței divine în lumea oamenilor.

De la începutul anilor 1650, portretele lui Rembrandt au devenit profund personale, compozițiile au devenit stricte și geometrice în construcție, iar schema de culori a devenit un spectru imens de nuanțe de trei sau patru culori. Arta lui Rembrandt nu reflectă gusturile mai artistice ale publicului; Artistul este acum ocupat cu cercetarea proprietăților tehnicilor de pictură în ulei. Viziunea asupra lumii a maestrului, întruchipată în lucrările sale ulterioare, atât de apreciate astăzi, a rămas de neînțeles pentru contemporanii săi.

Rembrandt. — Danae. 1636.

Tabloul Omul cu coif aurit (1651, Berlin - Dahlem) realizat de atelierul lui Rembrandt demonstrează trăsăturile caracteristice ale stilului târziu al maestrului. Fața războinicului cu părul cărunt este scufundată într-o umbră moale și adâncă, iar reflexele luminii de pe cască sunt transmise în mișcări libere, largi și groase. Pentru Rembrandt, un subiect neobișnuit poate deveni uneori un motiv pentru experimente artistice îndrăznețe. Un exemplu aici este pictura Carcasă de taur jupuită (1655, Paris, Luvru). Peria readuce viața cărnii moarte și frumusețea urâțeniei. Rembrandt a evitat întotdeauna idealizarea clasicistă în înfățișarea corpului uman. În tabloul Bathsheba (1654, Paris, Luvru), femeia pe care regele David a văzut-o făcându-se și de care s-a îndrăgostit pentru frumusețea ei extraordinară nu este înfățișată în momentul scălării, atât de des aleasă de artiști pentru a spune această poveste și nu este deloc frumos. Ea este cufundată în gânduri adânci și pare să prevadă moartea soțului ei.

În lucrarea sa ulterioară, Rembrandt sa îndreptat din ce în ce mai mult către interpretarea evenimentelor din istoria creștină. Tabloul Coborârea de pe cruce (c. 1655, Washington, National Gallery) este dedicat nu numai morții lui Hristos, ci și durerii celor care Îl jelesc.

Una dintre cele mai cunoscute lucrări de pictură religioasă a lui Rembrandt din această perioadă este pictura Negarea lui Petru (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). În centru este înfățișată o tânără slujitoare întorcându-se către Petru, iar acesta, cu un gest al mâinii deplasate în lateral, își confirmă cuvintele despre renunțarea la Hristos. Spațiul din prim-plan este iluminat de o singură lumânare, pe care servitoarea o umbrește cu mâna - o tehnică care era foarte populară printre caravaggiști la începutul secolului. Lumina moale a unei lumânări modelează formele figurilor și obiectelor situate în prim-plan. Sunt vopsite cu linii ușoare, într-o schemă de culoare maro-gălbuie cu câteva accente roșii. Uneori, formele par să se dizolve în lumină sau sunt umplute cu ea, ca mâna unei servitoare care blochează o lumânare. Pe chipul lui Peter este o tristețe profundă. Aici, ca și în portretele și autoportretele ulterioare ale artistului, Rembrandt înfățișează bătrânețea cu o pricepere neîntrecută, cu înțelepciunea ei acumulată de-a lungul anilor, slăbiciunea cărnii și forța spiritului.

Portretele lui Rembrandt devin, de asemenea, profund personale de-a lungul anilor. În portretul poetului Jan Six (1654, Amsterdam, colecția Six family), subiectul este înfățișat într-o perspectivă abia vizibilă de jos în sus; Cu excepția feței fin modelate, portretul este pictat rapid și liber, cu linii mari. Schema de culori este dominată de roșul strălucitor al mantiei și aurii nasturii costumului, în contrast cu diverse nuanțe de verde și gri.

În portretul lui Hendrikje Stoffels (c. 1656, Berlin - Dahlem), figura este înscrisă în cadrul deschiderii ferestrei și, datorită dimensiunii mari alese de artist, pare să stea foarte aproape de planul tabloului. Privirea lui Hendrickje este îndreptată către privitor, poza ei este liberă, capul este înclinat în lateral, iar mâinile îi stau foarte natural. Schema de culori a picturii este o combinație de tonuri aurii, alb, roșu și negru.

Unul dintre cele mai bune portrete de grup ale lui Rembrandt este Syndics (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Clienții portretului au fost reprezentanți ai atelierului de confecții din Amsterdam (sindicii). Ei sunt reprezentați în jurul unei mese cu o carte de numărare întinsă pe ea. Artistul face spectatorul un participant la ceea ce se întâmplă în imagine. Se pare că tocmai i-am întrerupt pe sindicii care erau ocupați cu calculele lor și, prin urmare, toți, parcă ridicând o clipă din munca lor, se uită la privitor. Liniile drepte predomină în imagine, dar întoarcerea mesei și jocul complex de lumini înmoaie severitatea compoziției. Pete de lumină sunt împrăștiate pe toată pânza, înviorându-i suprafața picturală. Această imagine este remarcabilă atât ca studiu psihologic, al cărui scop este acela de a descrie oameni cu caractere diferite, cât și ca document istoric.

În jurul anului 1661, Rembrandt a fost comandat pentru una dintre cele opt picturi istorice care ar fi trebuit să decoreze Primăria din Amsterdam. Uriașa pânză (dimensiuni originale 5-5 m) Conspirația lui Julius Civilis, conform diferitelor versiuni, fie nu a fost niciodată atârnată în primărie, fie a ocupat spațiul alocat acesteia timp de cel mult doi ani, iar apoi a fost înlocuită cu un tablou de Ovens pe același subiect. Doar un fragment din această lucrare a lui Rembrandt a supraviețuit, care se află în Muzeul Național din Stockholm. Rembrandt a descris un eveniment descris în Analele istoricului roman Tacitus (secolul I): liderii tribului Batavian jură pe sabie să lupte pentru eliberarea de sub dominația romană. Amploarea acestei lucrări în forma sa originală poate fi judecată din schița compozițională aflată la München. Arată că la început masa și oamenii adunați în jurul ei au fost arătate în spațiul unei săli imense, a cărei profunzime era transmisă prin jocul de lumini și umbre.

În secolul al XVII-lea desenul a servit de obicei ca o schiță preliminară pentru dezvoltarea unei compoziții mari, o schiță a detaliilor individuale ale picturii viitoare sau a fost aplicat pe carton și apoi transferat pe suprafața destinată picturii. Foarte rar un desen a fost gândit ca o operă de artă completă; Adesea, desenele erau aruncate după finalizarea proiectului. Fiecare desen de Rembrandt este un studiu al naturii fenomenelor și o încercare de a surprinde caracterul unui moment sau al unui obiect. Când un artist făcea schițe din lucrările vechilor maeștri, nu crea copii, ci variații pe aceeași temă, rezolvând în același timp propriile probleme artistice. În anii 1630 și 1640, el a pictat combinând linii de grosimi diferite cu cele mai fine spălări. Uneori, desenele lui par niște schițe rapide, unde linia nervoasă rămâne cu greu continuă nicăieri.

Rembrandt a fost primul care a realizat posibilitățile bogate de gravare în comparație cu gravura pe metal. Această gravură este creată prin zgârierea unui design pe o placă de metal; apoi placa este acoperită cu vopsea, umplând adânciturile lăsate de tăietor, iar din aceasta se fac amprente pe hârtie folosind o presă. Cuțitul necesită presiune puternică și îngrijire deosebită. Lucrul la gravură, dimpotrivă, nu necesită multă forță fizică, iar liniile sunt mai libere și mai flexibile. În loc să zgârie metalul cu o daltă, artistul acoperă placa cu un lac rezistent la acid și trage pe ea cu un ac, apoi scufundă placa în acid și metalul este gravat în zonele fără lac. Gravura îi oferă artistului mult mai multă libertate și poate desena cu un ac ca și cum ar folosi un pix pe hârtie. În gravurile lui Rembrandt liniile sunt la fel de libere și fluide ca în schițele cu stilou. Pentru a obține noi efecte expresive, el a combinat adesea tehnici diferite: uneori trecea un tăietor peste o placă deja gravată cu acid, alteori grava cu un „punct uscat” - un instrument cu un diamant la capăt, care lasă caneluri cu crestături pe metalul, oferind imprimeului o notă moale și catifelată. De exemplu, în Foaia cu o sută de guldeni artistul a folosit toate aceste tehnici (lucrarea pe această placă a durat câțiva ani).

Vestea bună către păstori a lui Liszt (1634) este un adevărat spectacol de teatru baroc. Desenul este realizat cu linii intersectate dens plasate care creează contraste de tonuri deschise și întunecate. Cinci ani mai târziu, în Adormirea Maicii Domnului, dominația zonelor întunecate dens umbrite a fost înlocuită cu o predominanță a zonelor luminoase și a umbririi subțiri paralele. În gravura din Three Trees (1643), contrastul dintre fragmentele de imagine dens umbrite și hârtie albă este dus la extrem; liniile paralele înclinate pe cer transmit perfect senzația unei furtuni de vară. Cea mai dramatică dintre gravurile lui Rembrandt este foaia din Trei Cruci (c. 1650).

S-au folosit materiale din enciclopedia „Lumea din jurul nostru”.

Întoarcerea Fiului Risipitor. 1669

Apogeul realismului olandez este opera lui Rembrandt. Conținutul ideologic și abilitățile artistice remarcabile inerente imaginilor sale îl plasează pe Rembrandt printre cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale. Este la fel de grozav ca pictor și ca maestru al gravurii și desenului.

Rembrandt Garmens van Rijn s-a născut în 1606 la Leiden, fiul unui proprietar de moară. Vocația sa pentru pictură s-a manifestat foarte devreme. Primii ani ai călătoriei sale creative, care a avut loc în Leidenul natal, au fost marcați de căutarea independenței creatoare. În 1632 s-a mutat la Amsterdam - centrul vieții culturale a republicii. În „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”, care i-a adus un mare succes, Rembrandt rezolvă problema portretului de grup într-un mod nou, unindu-l cu unitatea de acțiune. Faima lui Rembrandt este în creștere, mulți studenți se îngrămădesc în atelierul lui, anii 30 sunt perioada celui mai mare succes în viață al lui Rembrandt; Alături de picturi pe subiecte biblice și mitologice, pictează un număr imens de portrete la comandă, lucrează mult în tehnica gravurii și a desenelor. Lucrările acestui deceniu sunt marcate de un sentiment de mare vitalitate, accentuat de expresivitate dramatică, deși uneori nu sunt lipsite de efecte externe. Printre cele mai bune creații ale anilor 30 se numără „Danae”, unde o imagine mitologică tradițională capătă trăsăturile unui adevăr uimitor de viață. Se conturează sistemul pictural al artistului, în care rolul principal este jucat de contrastele de lumină și umbră, sporind rezonanța emoțională a imaginilor.

La începutul anilor '40, a avut loc un punct de cotitură în opera lui Rembrandt: artistul s-a eliberat de unele dintre trăsăturile limitate caracteristice lucrărilor sale anterioare, metoda sa realistă s-a aprofundat, care, totuși, nu a fost recunoscută de cercurile burgheze. Istoria celebrului său tablou, cunoscut sub numele de „Night Watch”, este indicativă în acest sens. Îndeplinind o comandă pentru un portret de grup al pușcarilor din compania căpitanului Banning Cock, Rembrandt a încălcat toate tradițiile. În loc de o serie de figuri așezate decor pe o pânză, el a prezentat o scenă de stradă plină de realism și poezie înaltă, o reprezentație solemnă a pușcașilor înconjurați de mulțimea orașului atrasă de acest eveniment. În această lucrare monumentală se aude ecoul vremurilor eroice ale revoluției olandeze. Recepția ostilă care a întâmpinat Veghea de Noapte a fost un indicator al gusturilor limitate ale burgheziei olandeze, îndepărtarea acesteia de la idealurile progresiste ale erei revoluționare.

În lucrările anilor '40, Rembrandt se îndreaptă către lumea oamenilor simpli și săraci - tocmai în acest mediu găsește purtători de înaltă noblețe morală, sentimente puternice, sincere. În filme precum Sfânta Familie sau Bunul Samaritean, evenimentele Evangheliei sunt descrise ca episoade din viața de zi cu zi. Acest lucru conferă temei religioase un sens social aparte. Grafica lui Rembrandt se dezvoltă în aceeași direcție. În faimoasa gravură „Hristos vindecând pe bolnavi”, imaginile săracilor și suferinzii sunt puse în contrast cu fariseii care se îndreptățesc.

Ultimii 20 de ani sunt cel mai tragic moment din viața lui Rembrandt. Divergența sa față de gusturile predominante ale burgheziei a dus la o scădere a comenzilor și s-a încheiat în faliment în 1656: proprietatea și colecțiile artistului au fost vândute la licitație, iar el însuși a fost nevoit să se stabilească în cel mai sărac cartier din Amsterdam.

El este bântuit de pierderi grele ale familiei. Dar în acești ani arta lui Rembrandt a atins apogeul. Natura monumentală a imaginilor, revelația profundă a lumii interioare a omului, energia uimitoare a picturii, bazată pe armoniile tonurilor roșiatice și maronii care par să ardă din interior - acestea sunt trăsăturile artei sale târzii. Cele mai bune lucrări din acest timp sunt „Assur, Haman și Esther”, „David înaintea lui Saul”, etc. În aceiași ani, Rembrandt și-a creat compoziția istorică, plină de putere eroică, „Conspirația lui Julius Civilis”, dedicată. la lupta de eliberare a batavilor (considerați strămoșii Olandei) împotriva stăpânirii romane.

În ultimii săi ani, arta portretului maestrului a atins apogeul. În portretele sale, Rembrandt nu se limitează la niciun aspect psihologic, ci oferă, parcă, o imagine a întregii vieți spirituale a unei persoane, mișcarea interioară continuă a gândurilor și sentimentelor. Pentru Rembrandt, bogăția personalității umane este inepuizabilă; Întorcându-se în mod repetat la același model, maestrul găsește întotdeauna în el ceva nou și unic. De exemplu, Rembrandt a creat peste o sută de autoportrete. Cele mai bune creații ale lui Rembrandt includ portretele lui Breuning, Burgomaster Six, a doua soție a artistului, Hendrikje Stoffels, și fiul său, Titus, citind.

Finalul operei lui Rembrandt - faimoasa sa pictură „Întoarcerea fiului risipitor” - uimește prin radiația sentimentului uman profund. Stabilirea idealurilor umaniste în condițiile Olandei în secolul al XVII-lea a însemnat ruptura inevitabilă a artistului de burghezia, care se îndepărtase de tradițiile sale revoluționare. Este foarte semnificativ faptul că moartea marelui maestru în 1669 a trecut complet neobservată.

Printre puținii studenți care au stăpânit principiile înalte ale realismului lui Rembrandt s-au numărat defunctul timpuriu Carel Fabricius (circa 1622-1654) și Art de Gelder (1645-1727).

În ultimul sfert al secolului al XVII-lea. Începe o perioadă de declin complet al artei olandeze.

Citat din: Istoria lumii. Volumul IV. M., 1958, p. 311-313.

Literatură:

Rovinsky D. Colecție completă de gravuri ale lui Rembrandt, vol. 1–4. Sankt Petersburg, 1890

Rembrandt. Cultura artistică a Europei de Vest în secolul al XVII-lea. Sankt Petersburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Picturi ale artistului în muzeele Uniunii Sovietice [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Portret în operele lui Rembrandt. M., 1975

Citiți mai departe:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Roman-ziar pentru copii).

Artiști(carte de referință biografică).

Citiți mai multe pe web:

Site-ul web http://rembr.ru/ - despre artistul olandez Rembrandt Van Rijn. Galeria de picturi, biografia artistului, cărți și studii despre viața lui Rembrandt.

Picturile sale pot fi văzute în multe muzee din întreaga lume, astăzi este cunoscut de fiecare persoană de pe Pământ. Frica și bucuria, surprinderea și indignarea se reflectă atât de firesc în lucrările sale, încât este imposibil să nu le crezi. Popularitatea sălbatică, soarta tragică și declinul trist al vieții rămân încă un motiv de bârfă și raționament filozofic.

Tineret

Artistul Rembrandt s-a născut într-o familie de brutari în 1606 în orașul olandez Leiden, situat pe malul Rinului. Foarte devreme a simțit talent artistic. După ce a studiat acasă câțiva ani, tânărul a plecat la Amsterdam pentru a lua lecții de la celebrul pictor Lastman. Antrenamentul nu a durat mult, iar la vârsta de 19 ani, Rembrandt s-a întors înapoi la Leiden. În acest moment, a pictat portrete ale familiei și prietenilor săi și, de asemenea, a acordat o mare atenție autoportretelor. Multe dintre lucrările autorului au supraviețuit până în zilele noastre, unde el se înfățișează în diferite imagini.

Mărturisire

Într-o zi, un artist aspirant primește o comandă excelentă de la Guild of Surgeons. Așa apare lucrarea „Lecția de anatomie”. Pictura îi aduce recunoaștere lui Rembrandt. Primește imediat peste cincizeci de comenzi pentru portrete ale nobililor și ale nobilimii din Amsterdam. Concomitent cu popularitatea, și bunăstarea maestrului crește. Începe să colecționeze antichități și costume de epocă. El cumpără o casă de lux, pe care o umple cu mobilier antic rafinat și obiecte de artă.

Saskia

La vârsta de 28 de ani, Rembrandt, ale cărui picturi deveneau din ce în ce mai populare, s-a căsătorit cu o fată bogată, Saskia. S-a căsătorit din dragoste și nu numai că a salvat, ci și a mărit capitalul iubitei sale. Rembrandt și-a idolatrizat soția, deseori înfățișând-o în diferite moduri în lucrările sale. Unul dintre cele mai cunoscute tablouri ale artistului, Autoportret cu Saskia, înfățișează un Rembrandt fericit alături de tânăra sa soție. În același timp, artistul a primit o comandă pentru o serie de lucrări cu un complot biblic. Așa apar picturile lui Rembrandt cu titlurile „Jertfa lui Avraam” și „Sărbătoarea lui Belșațar”. Din această perioadă datează și una dintre cele mai faimoase lucrări ale maestrului, „Danae”. Pictura a fost rescrisă de artist de mai multe ori și are mai multe versiuni originale.

Apusul vieții

Timpul lipsit de griji al artistului nu a durat mult. Nu tuturor le-a plăcut felul lui Rembrandt de a descrie o persoană așa cum este. După ce a fost pictat tabloul „Night Watch”, a izbucnit un scandal incredibil. Pe pânză au apărut străini. Poate că motivul a fost că în mijlocul muncii, iubita lui Saskia moare de tuberculoză. În imagine, alături de figurile arcașilor, puteți vedea silueta unei fete, atât de amintind de soția maestrului. Popularitatea autorului începe să scadă. Aproape că nu există comenzi noi. După ce și-a pierdut casa și toate proprietățile, Rembrandt, ale cărui picturi capătă un nou sens, filozofic, începe să-i înfățișeze pe oameni obișnuiți și pe cei dragi săi. Scrie multe despre fiul său, precum și despre oamenii care îl înconjoară în ultimii ani de viață. În acest moment, s-au născut picturile lui Rembrandt cu titlurile „Portretul unui bătrân în roșu”, „Portretul fiului lui Titus Reading” și alte lucrări. La sfârșitul vieții sale, din stiloul maestrului apare o altă capodoperă - „Întoarcerea fiului risipitor”. În acest tablou, maestrul se înfățișează pe sine ca un rătăcitor etern care este forțat să hoinărească pe drumurile dificile ale faimei schimbătoare. În 1969, după ce și-a îngropat fiul și mireasa, Rembrandt însuși moare, lăsând pentru totdeauna amprenta sa creativă pe această lume. Astăzi, picturile artistului ocupă un loc de onoare în orice muzeu important din lume.

Cel mai Rembrandt. „Lecția de anatomie” (1632)

Acest tablou este primul comision major primit de Rembrandt după mutarea sa la Amsterdam. Pânza înfățișează autopsia efectuată de dr. Tulp. Doctorul își ține tendoanele mâinilor cu pense, arătându-le elevilor cum se îndoaie degetele. Astfel de portrete de grup erau foarte populare în rândul breslelor de medici la acea vreme. Adevărat, de regulă, membrii grupului au pozat pentru ei, stând la rând. Rembrandt, ale cărui picturi s-au remarcat prin naturalețe și realism, a înfățișat studenții într-un cerc apropiat, ascultând cu atenție cuvintele doctorului Tulp. Fețele palide și cadavrul însuși ies în evidență ca pete de lumină strălucitoare pe fundalul sumbru și întunecat al imaginii. Lucrarea i-a adus lui Rembrandt prima sa popularitate, după care comenzile au plouat asupra autorului cu o viteză incredibilă.

„Autoportret cu Saskia” (1635)

De-a lungul vieții, Rembrandt a pictat un număr incredibil de autoportrete. Acest tablou este unul dintre cele mai faimoase. Aceasta înfățișează bucuria artistului de fericirea de a-și stăpâni iubita. Starea emoțională a pictorului se reflectă în privirea deschisă a personajelor, în chipul strălucitor al lui Rembrandt, parcă s-ar sufoca de fericire și bunăstare. Cu toate acestea, există și o provocare ascunsă ascunsă în portret: la urma urmei, artistul se înfățișează în imaginea aceluiași „fiu risipitor” ospătând cu o curtezană obișnuită. Cât de diferit este „fiul risipitor” din acest autoportret de cel pe care publicul îl cunoaște din tabloul cu același nume!

„Danae” (1636)

Cel mai faimos dintre tablourile lui Rembrandt. A fost scrisă pe baza mitului despre mama lui Perseus, Danae. Potrivit legendei, tatăl fetei a aflat că va muri din cauza fiului propriei sale fiice și a închis-o într-o temniță. Zeus a intrat în prizonier sub forma unei ploi de aur, după care s-a născut Perseu. Pictura atrage atenția prin colorarea sa neobișnuită, caracteristică operei artistului. În centru se află o femeie goală, al cărei corp este iluminat de lumina puternică a soarelui. În această imagine, Rembrandt, ale cărui picturi înfățișează adesea oameni apropiați, a surprins imaginea iubitei sale soții Saskia. Imaginea îngerului a fost adăugată după moartea soției sale. Se pare că plânge mereu de soarta defunctului. Rembrandt a petrecut mult timp rescriind creația sa preferată, schimbând starea de spirit a picturii în conformitate cu sentimentele sale. Combinația de tonuri strălucitoare și lumini aurii uimește prin rafinament și splendoare.

Soarta picturii este surprinzătoare și dramatică, la fel ca și povestea de viață a artistului însuși. După moartea autorului, capodopera a schimbat mulți proprietari. După achiziționarea lucrării de către Ecaterina a II-a, „Danae” a ocupat locul de mândrie în celebra colecție Hermitage. În 1985, la muzeu a avut loc un incident neplăcut, care aproape a lipsit lumea de oportunitatea de a contempla creația lui Rembrandt. Un nebun s-a apropiat de tablou și a aruncat acid pe el. Vopseaua a început imediat să clocotească. Dar nici acest lucru nu a fost suficient pentru atacator: a reușit să facă câteva tăieturi pe pânză cu un cuțit înainte de a fi oprit. Daunele au afectat aproximativ 30% din capodopera. Maniacul s-a dovedit a fi un anume Bronius Maigis, care a petrecut ulterior 6 ani într-o clinică de psihiatrie. Restaurarea picturii a durat 12 ani. Acum este expusă în Schit, protejând capodopera de vandali. Un alt fapt interesant. Opera de artă și reproducerile sale sunt adesea prezentate în filme. De exemplu, „Danae” apare în seria „Gangster Petersburg” ca pictura lui Rembrandt „Aegina”.

„Vizorul de noapte” (1642)

Pictura a fost comandată lui Rembrandt de șeful unei divizii de infanterie. Pânza înfățișează o companie de miliție care pleacă în campanie. Muschetarii, încurajați de bătăile tobelor, sunt înfățișați alături de soldați de diferite stări sociale și vârste, gata de luptă. Toți sunt uniți de masculinitate și impuls patriotic. Lucrarea se remarcă prin meticulozitatea sa în desenarea tuturor imaginilor și detaliilor. Pictura lui Rembrandt „The Night Watch” evocă privitorilor care o privesc un sentiment complet al realității a tot ceea ce se întâmplă. Autorul a încercat nu numai să arate trăsăturile exterioare ale tuturor personajelor, ci și să dezvăluie lumea interioară a fiecărui soldat. Apoteoza imaginii este arcul de triumf - un simbol al succeselor trecute și un vestitor al unei noi victorii glorioase. Cu ajutorul culorilor colorate (auriu, negru și galben), privitorul dezvăluie energia, dramatismul și solemnitatea stării de spirit a armatei. Caracterul și soarta fiecărui personaj pot fi citite datorită pensulei unui artist celebru.

Există multe versiuni despre fată descrisă aproape în centrul imaginii. Ea este diferită de toată lumea prin culorile ei strălucitoare și aspectul angelic. Poate că acesta este un fel de mascota miliției. Potrivit unei alte versiuni, fata este imaginea iubitei soții a autorului, care a plecat într-o altă lume în mijlocul picturii. După cum știți, clienților nu le-a plăcut munca. După ce au cumpărat tabloul, au tăiat barbar pânza și au atârnat-o în sala de banchet.

„Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669)

Pictura lui Rembrandt „Întoarcerea fiului risipitor” este unul dintre cele mai izbitoare culmi ale operei celebrului artist. A fost scrisă în ultimii ani ai vieții maestrului. Acesta este timpul când era foarte bătrân și slab, în ​​nevoie și flămând. Tema fiului risipitor a apărut în mod repetat în opera artistului. Această lucrare este o concluzie, un rezumat al anilor de rătăcire creativă a celebrului autor. Tabloul radiază toată căldura și profunzimea paletei lui Rembrandt. Culorile strălucitoare și jocul grațios de lumini și umbre evidențiază imaginile personajelor principale. Înfățișarea venerabilului bătrân și a fiului său risipitor exprimă o întreagă gamă de sentimente diferite: pocăință și iubire, milă și amărăciunea înțelegerii întârziate. Potrivit criticilor de artă, „The Return” a dezvăluit tot talentul psihologic al pictorului. Și-a pus toată experiența creativă acumulată, toată pasiunea, toată inspirația în creația sa.

Concluzie

Este greu de imaginat cum i-a descris Rembrandt pe cei prezentați în acest articol. Câți ani au trecut de la crearea lor, câtă funingine de la lumânările de seu le-a acoperit de-a lungul a trei secole de istorie! Putem doar ghici cum arătau de ziua lor de naștere. Între timp, până în ziua de astăzi, milioane de fani ai talentului celebrului pictor din diferite muzee din întreaga lume vin să privească capodoperele sale.